El proyecto Explorando nuevos territorios gráficos desde una perspectiva transdisciplinar (ref. HAR2016-78215-P ) se centra en el estudio del cómic —de máxima actualidad y relevancia socio-económica— desde una perspectiva medial, prestando especial atención a su materialidad y características formales. Más aún, bajo esta línea también se estudian aquellas actuaciones artísticas que van más allá del soporte tradicional del cómic, combinando las peculiaridades lingüísticas, formales, narrativas y conceptuales de este medio con otras manifestaciones del mundo del arte. Asimismo, la línea de Estudios Transdisciplinares sobre Cómic (ETC) también pretende destacar la pertinencia de este tipo de investigación desde las Bellas Artes —por la especificidad técnica y capacidad de análisis morfosintáctico de la gramática del cómic— poniendo de manifiesto la idoneidad de esta disciplina a la hora de analizar aspectos del cómic que, hasta ahora, han dominado otros ámbitos de conocimiento como los estudios de Filología o de Sociología. En este sentido, esta línea busca poner al medio del cómic en el centro de la investigación; no como herramienta para otro tipo de investigación sino para consolidar los Estudios sobre Cómic desde la especificidad material de este tipo de arte secuencial.
Tres ejes de investigación:
_Cómic de campo expandido: en la frontera del arte gráfico.
Se entiende por cómic de campo expandido aquella actuaciones artísticas que van más allá del soporte tradicional del cómic, combinando las peculiaridades lingüísticas, formales, narrativas y conceptuales de este medio con otras manifestaciones del mundo del arte. Como es bien sabido, el concepto de «campo expandido» procede del influyente ensayo publicado por Rosalind Krauss en 1978, empleado conjuntamente en la voz “escultura de campo expandido”. En los últimos años dicha etiqueta se ha utilizado junto a otras manifestaciones artísticas como indicador de un enfoque transdisciplinar que desborda y trasciende los límites que convencionalmente se atribuyen a dichos medios (pintura de campo expandido, gráfica de campo expandido, video de campo expandido, etc.). Tal y como explica Krauss:
The expanded field that characterizes this domain of postmodernism possesses two features that are already implicit in the above description. One of these concerns the practice of individual artists; the other has to do with the question of medium. At both these points the bounded conditions of modernism have suffered a logically determined rupture (1979, p.42).
De un modo resumido, se entiende por «comics de campo expandido» aquellas actuaciones artísticas que van más allá de los formatos y del soporte tradicional del cómic, combinando las peculiaridades lingüísticas, formales, narrativas y conceptuales de este medio con otras formas artísticas, como instalaciones murales (pintura, dibujo, instalación gráfica, etc.), escultóricas (instalación, arte interactivo, performance, etc). Miguel Cuba (2015) amplía dicha definición: […] Son narraciones gráficas que también incluyen en su proceso la acción, prácticas próximas al Situacionismo, la estética relacional, etc. Son obras fronterizas, instaladas en el límite, en la confluencia de varias disciplinas artísticas (2015, p. 292). Asimismo, en el mundo académico la investigación sobre cómic se entiende desde una perspectiva multidisciplinar. Numerosos investigadores se acercan al cómic desde un enfoque sociológico, económico, antropológico, literario o culturalista. Con igual frecuencia, se suele obviar el estudio del cómic desde el propio cómic, descuidando el potencial crítico de este medio. Este tipo de enfoques tienden a privilegiar la consabida división entre tebeo mainstream americano, europeo y manga japonés, evitando una perspectiva transcultural del medio del cómic.
Cabe recordar, no obstante, que esta investigación está profundamente enraizada con las otras dos actuaciones: se presta especial importancia al cómic digital y otro tipo de propuestas «de campo expandido», diferenciando entre webcómics, e-cómics y cómics digitales según la clasificación de Lukas Wilde (2015). De manera somera, entenderemos: 1) Webcómic: contenidos creados específicamente para internet, para su distribución y disfrute online a través de páginas web, blogs o revistas de webcómic. Aprovechan las posibilidades de lectura que permite en formato web y no están limitados por las convenciones del formato impreso. 2) E-cómic: cómics creados específicamente para el medio digital, pero respetando las convenciones inherentes al formato impreso (división en páginas –o dobles páginas– y sentido de lectura). Se distribuyen a menudo en plataformas accesibles online, o por medio de aplicaciones de lectura específica para dispositivos móviles. Este tipo de aplicaciones intentan recrear la experiencia de lectura del libro físico y permiten el avance de cada página (o doble página) una a una. 3) Digi-cómic: obras digitalizadas que fueron creadas originalmente para un soporte físico, haciéndolas accesible online a través de diferentes tiendas para su consumo en una pantalla de ordenador o dispositivos móviles. En ocasiones comparten plataforma con el e-cómic o se distribuyen por medio de aplicaciones móviles de similar funcionamiento pero, a diferencias de estas, no se pensaron para el medio digital.
_ Nueva sintaxis para un libro de artista digital: El hiperlibro.
En los últimos años hemos asistido a un aumento en el número de estudios y publicaciones sobre el libro de artista, como resultado del auge de esta manifestación (exposiciones temáticas, editoriales específicas centradas en la producción de libro de artista, desarrollo del coleccionismo, certámenes internacionales, etc). El dx5 es uno de los grupos de investigación pioneros en España en esta materia, entre cuyos principales hitos cabe destacar la monografía titulada The Print Factory II. El espacio del libro, dedicada por entero a dicho fenómeno. Esta línea de trabajo reflexiona sobre el marco conceptual del libro de artista digital y su pertinencia y encaje en la dinámica contemporánea, su desarrollo técnico (dentro un contexto tecnológico en constante desarrollo y que evoluciona hacia dispositivos electrónicos móviles, multi-plataforma y en la nube), y su materialización práctica.
El espacio del libro de artista todavía es objeto de reflexión, y se debate sobre la pertinencia de este medio en el contexto artístico actual ¿Qué mueve al artista a la hora de elegir un medio, en apariencia limitado, en un entorno que facilita e impulsa el desarrollo de propuestas artísticas más visibles y más acordes con nuestro tiempo? El principal interés del libro como soporte y del libro de artista como formato para el creador contemporáneo estriba en el modo en que este interactúa con el espectador/lector. A través de la práctica volcada por el libro de artista el espectador/lector adopta el rol de actor pasando a tomar decisiones que afectan directamente a la experiencia artística propia y que – en otros formatos y disciplinas – recaen exclusivamente en el artista. El lector se transforma en el protagonista de la obra que se representa en el espacio del libro. “El espacio de lectura está abierto a las circunstancias locales del lector y pensar el libro de artista como un objeto inactivo nos aleja de la intención expresiva del autor” (Tomás Calderón, 2007, p.8). Tradicionalmente, tanto la escritura como la lectura se han entendido como actos secuenciales, aun cuando el pensamiento humano no responde a este mismo esquema de crecimiento y ordenación. Los libros de artista pueden estructurarse en base a diferentes secuencias, muchas veces polisemióticas, de modo que ni las narraciones ni las conexiones son necesariamente lineales. Por el contrario, el texto impreso es finito y lineal; siguiendo una lógica aristotélica, se define en su principio y su final, que se desarrollan linealmente. No obstante, el pensamiento humano y el lenguaje no se rigen por esta misma lógica lineal y pueden divergir en razonamientos o digresiones diferentes del discurso inicial, para confluir de nuevo a posteriori y retornar – o no – al punto de partida. Frente a esta idea, la página como soporte y el libro como secuencia de espacios (y como compilación de páginas en el formato códice que se emplea por convención) plantean límites. El hipertexto rompe completamente los límites de la página impresa, tendiendo puentes invisibles y dando como resultado una vasta red que organiza el discurso mediante conexiones no exclusivamente secuenciales, sino en múltiples direcciones y profundidades.
El libro electrónico – en su definición primigenia – es un concepto con más de cuarenta años de antigüedad, si entendemos su nacimiento con los primeros compases del Proyecto Gutemberg, creado por Michael Hart, en el año 1971. En este punto, hay que establecer una distinción precisa entre los libros electrónicos y lo que he dado en denominar hiperlibro. En muchos casos, el libro electrónico no es más que un libro concebido para ser impreso en papel que ha sido digitalizado. Se prescinde del contenedor de papel, pero sigue respondiendo a la misma estructura de organización lineal de la información que el texto impreso. La respuesta a las exigencias de la generación digital en la que vivimos es el hiperlibro. Cabe confrontar el concepto de e-book o libro electrónico frente al hiperlibro, amplio y borroso en su formalización, pero rico y expansivo en sus posibilidades y plena interactividad. El hiperlibro no se comporta de manera idéntica a la red infinita de Internet, por la propia idea de finitud inherente al libro, pero sí se rige por las mismas premisas basales. En un contexto plagado de manifestaciones artísticas tan variadas como el video, el net.art, la performance, la fotografía, la instalación, la pintura, la escultura, la obra gráfica, etc., el hiperlibro de artista plantea alternativas al formato en papel, siendo un contenedor verdaderamente multilenguaje/multimedia que puede evolucionar, actualizarse y crecer. El hiperlibro no pretende sustituir a un soporte rico y de infinitas posibilidades creativas como es el libro de artista tradicional, sino sumar nuevos lenguajes y experiencias a la práctica del arte contemporáneo.
_ Teoría animética y cinemática en la animación contemporánea.
En este proyecto también se realizó una investigación sobre los Estudios de Anime. Frente a los estudios de campo, este proyecto aborda el anime como manifestación cultural desde multitud de diferentes aproximaciones (incidiendo en el enfoque transversal y multidisciplinar). Fruto de este proyecto surgió la publicación Anime Studies. Media-Specific Approaches to Neon Genesis Evangelion, publicada en acceso abierto, en 2021, por Stockholm University Press (DOI: https://doi.org/10.16993/bbp)
Resultados:
Además de la publicación con Stockholm University Press, cabe destacar la celebración de dos simposios internacionales el “V Foro Internacional de Creación en la Frontera: Anime. Una perspectiva Transdisciplinar” y la “7ª edición del workshop internacional Mutual Images”.